Propuesta Tasting Art: Héroes del Mundo Flotante

con No hay comentarios

En 1615, con el establecimiento formal de la capital surgen en Japón las “imágenes del mundo flotante” Ukiyo-e como producciones artísticas que representaban la vida en la incipiente ciudad de Edo (Tokio), las escenas representadas en las estampas japonesas eran situaciones comunes como  paisajes, visitas a lugares de entretenimiento, peleas de sumo, representaciones teatrales, retratos de cortesanas, mujeres hermosas y guerreros samurai.

Al principio dichas producciones eran pinturas hechas a mano, sin embargo, al crearse un método de impresión (nishiki-e) utilizando planchas de madera, surgen las producciones en serie y la obra gráfica, por lo que las imágenes del mundo flotante no solo representan la vida y a la población de Edo, sino que también se volvieron accesibles a la “gente común” que hasta ese momento no tenía acceso al arte.

La obra gráfica se volvió parte de la ciudad, sirviendo incluso como anuncios para el teatro. Durante 1800 los artistas mas representativos Ukyio-e eran Hokusai, Utamaro, Hiroshige y Sharaku.

Actualmente podemos apreciar la gran influencia de este periodo en el animé o en los videojuegos. Jed Henry y Dave Bull nos presentan a través de Ukyio-e Heroes una propuesta en la que reinterpretan personajes modernos como Megaman, escenas de Street Fighter, Star Fox o Zelda plasmándolos en papel con la estética y rasgos característicos de la obra clásica Ukiyo-e y reproduciéndolos bajo la técnica tradicional japonesa de grabado en plancha de madera, la cual requiere un tallado fino artesanal y alrededor de 17 impresiones por pieza para lograr sus característicos colores intensos.

Ukyio-e Heroes es una propuesta de Tasting Art para nuevos coleccionistas, en donde se fusiona la pasión por las expresiones mas tradicionales de arte con el gusto por las expresiones gráficas contemporáneas.

Focus on: Pedro Coronel

con No hay comentarios

Nuestro ojo sigue lentamente una línea que se inclina de manera tímida sugiriendo que nos llevará a una curva, no podríamos imaginar lo pronunciada que esta sería, pero la linea sigue firme formando una curva vertiginosa, cerrada y extremadamente sensual; estamos inmersos en ella cuando de pronto otra línea interfiere y nos hace seguirla, esta también es firme y juguetona, va formando caminos serpenteados y entonces chocamos con otra línea que interrumpe nuestro camino, esta forma un círculo. Necesitamos tomar distancia de este mundo de caminos peligrosos, necesitamos alejarnos para poner en perspectiva aquellos colores vibrantes y penetrantes que han llenado nuestros ojos y que nos acompañaron durante nuestro recorrido por el lienzo del hermoso Pedro Coronel que tenemos frente a nosotros. 

Damos dos o tres pasos hacia atrás,  no estamos seguros de que sea suficiente... pero a medida que caminamos nuestras pupilas comienzan a agrupar las líneas y los colores, entonces vemos formas, nuestra mirada no nos engañaba, nuestros sentidos no nos mentían y ahora esas líneas excitantes forman dos personajes que se unen en una especie de abrazo eterno, se fusionan, se tocan en distintas partes como si fueran dos moléculas que intentan fusionarse con ansia y temor a la vez.
 
 

 
La pintura de Pedro Coronel (1923-1985), se caracteriza por colores penetrantes y formas atrevidas que apelan a las estructuras vivas mas básicas de la naturaleza. El artista le quita la piel al ser humano y lo convierte en moléculas, en energía, en ansiedad y en pasión. Llama la atención la destreza y sensibilidad con la que este autor trabaja la pintura abstracta, especialmente cuando sus antecedentes en la escultura son de tipo figurativo; o tal vez no sea tan sorpresivo ya que en la escultura Coronel dominó las formas del cuerpo humano, capturando en el bronce y el mármol sus líneas para posteriormente reproducirlas en el lienzo, recorriéndolas como solo quien se encuentra frente al cuerpo amado lo sabe hacer.
 
La temática de Pedro Coronel no se limita al amor, sino que explora muchas facetas del ser humano, muchos tipos de interacción como el de padre e hijo, perfiles y posiciones del cuerpo y en ocasiones parece que solo encapsula conceptos e ideas, plasmándolos en la obra y permitiéndoles que vivan ahí.
 
Los óleos de Coronel tienden a ser de un gran formato en donde el pintor se extiende a lo largo del  lienzo sin dejar espacio alguno falto de color, este tipo de obra cotiza alrededor de 80,000 a los 120,000 dólares (en promedio) y está en exposición en el museo que lleva su nombre ubicado en Zacatecas, lugar de nacimiento del artista, así como en colecciones privadas.
 
Su obra gráfica es mas accesible e igual de hermosa, tener un Pedro Coronel es tener una experiencia en casa, a la vez que representa una inversión estable ya que su obra es popular y cotizada.
 
En la colección de Tasting Art contamos con litografías del artista disponibles para nuestros amigos. 
Aquellos interesados en conocer o adquirir obra de Pedro Coronel, pueden contactarnos. en tastingart@hotmail.com o a través de nuestra página de Facebook: Tasting Art/Saboreando el Arte.
 
 
 

Tasting the Weekend: Dr. Lakra

con No hay comentarios

Toda producción cultural lleva consigo la carga de un discurso característico de la época y de la sociedad por la que es generado. Así, distintos elementos como canciones populares, juegos, libros, películas, anuncios y aquellos objetos que nos rodean día a día, conllevan tras su diseño y configuración un intento de satisfacción de alguna necesidad, ya sea creativa, de denuncia o de elaboración de retos impuestos por la sociedad que representa un mundo externo cambiante, demandante y que nos exige una constante reorganización interna para adaptarnos a él.

En la exposición Monomito, Dr. Lakra retoma objetos y artefactos cotidianos encontrados en su estudio o en bazares para deconstruirlos y re-construirlos a modo de totems, evidenciando aquella función divina que ciertas figuras adquieren a lo largo de distintas generaciones, convirtiéndose en fetiches o en figuras de culto y admiración. Detrás de estas "deidades modernas" se esconden ansiedades, miedos y ostentaciones colectivas, Lakra las pone frente a nosotros con el tono burlón e irreverente que le caracteriza, así como con su muy particular estética influenciada por su formación y trayectoria como tatuador. 

La obra de Dr. Lakra, es controversial, ya que llevan al espectador desde la fascinación hasta el borde del miedo o la repulsión. Los trabajos mas populares de Dr. Lakra consisten en intervenciones de obra gráfica vintage, como pósters, revistas "pin up", anuncios o  estampas japonesas (mis favoritas), en las que personajes del inframundo salen a la superficie para llevar a sus personajes al borde del tormento o del placer. 

Dr. Lakra (México, 1972) es un artista muy establecido y productivo que reside y trabaja en Oaxaca. Desde el 6 de junio y hasta el 5 de septiembre podemos disfrutar de esta exposición en la galería Kurimanzutto, ubicada en la calle Rafael Rebollar  94 en la colonia San Miguel Chapultepec. Frente a la galería se ubica el restaurante Cancino San Miguel, una pizzería al aire libre, que será el complemento perfecto para una tarde de fin de semana llena de sabor y arte.

*Imágenes de kurimanzutto.com

Tasting Art Loves: Saner en el Metrobús

con No hay comentarios

Hoy el Metrobus de la Ciudad de México cumple 10 años y para celebrar, se rodea de arte con la ayuda de los 10 artistas mexicanos Gilberto Aceves Navarro, Carlos Pellicer Lopez, Mauricio Gómez Morín, Oscar Bachtold, SEGO Y OVBAL, Marcos Castro, Libre HEM, Smithe, seher One y nuestro consentido Saner.

 

Les compartimos una imagen de la cuenta de Instagram del talentoso artista oaxaqueño, quien con su propuesta única y estética impecable se ha posicionado con mucha fuerza en el ambiente artístico nacional e internacional. Saner ha intervenido distintos muros de nuestra ciudad y trabaja con la galería Fifty24mx, una de las preferidas de la familia Tasting Art.
Para mas información sobre la obra de Saner, pueden contactarnos en tastingart@hotmail.com o visitar la cuenta de Instagram @_divineinterventions_ , en donde la hábil cámara de Jessica Ruiz documenta las intervenciones que encuentra en sus recorridos por esta y muchas otras ciudades.

 

¡Quiero mi Warhol!

con No hay comentarios
Genio o cínico, Andy Warhol fue estandarte de una generación de violentos cambios. El discurso crítico de su obra dirigido a la sociedad norteamericana de la década de los 60, sigue vigente hasta hoy reflejando también la superficialidad y el vacío —aterradoramente familiar— de la generación millenial. En la era de Instagram y de las redes sociales yo también ¡quiero mi Warhol!

Los años 60 y 70 no hubieran sido lo mismo sin Andy Warhol. Andy fue un artista que reflejó de manera única los cambios que surgieron en la transición entre décadas. Ambas fueron casi opuestas en términos ideológicos, las caras sonrientes de las amas de casa que posaban junto a sus nuevos y relucientes electrodomésticos no fueron suficientemente brillantes para alejar la oscuridad que acompañaba el vacío interno de una sociedad que operaba de manera autónoma y de cierto modo, de manera teatral, ¿el escenario? suburbios perfectos con sus familias felices, “backyards”, perro y un Thunderbird en el garage estacionado junto al refrigerador repleto de cervezas y herramientas del hombre de la casa; ¿y tras bambalinas? actores que arrastraban en sus filas soldados traumatizados por la guerra, el fantasma de una gran depresión económica y el inagotable discurso estadounidense de luchar contra los enemigos que amenazaban constantemente la “tierra de los libres y el hogar de los valientes”, en este momento el enemigo y era el monstruo del comunismo, sinónimo de opresión por lo que la sociedad respondió con un opuesto: el consumismo, que se asoció casi de manera natural con el concepto de libertad.

En las nuevas generaciones se gestaron movimientos ideológicos que reflejaron la jaula del propio consumismo y la represión de encontrar la felicidad siguiendo un solo camino: el “american dream”. Las personas comenzaron a cuestionarse la libertad de los autodenominados libres y el terreno se fue volviendo fértil para el surgimiento del movimiento feminista y el movimiento hippie. También se volvió fértil para que un artista como Andy Warhol se posicionara y denunciara a la vez que personificaba, la contradicción de la sociedad. En términos generales, Andy no solo criticaba el consumo vacío de productos sino que volvió su propia obra una producción que en apariencia podría ser frívola, no solo por manejar objetos cotidianos (¿por qué comprarle a un “artista” una lata de Campbell’s o una caja de Brillo que venden en el supermercado?) sino por realizar producciones en serie de los mismos (¿no se supone que el artista debe pasar meses comprometido con su obra en lugar de imprimir miles de copias y firmarlas?). Para muchos, para los más tradicionales, Andy Warhol era un descarado, para otros, un genio.

La popularidad y la diversificación de Warhol dificultó los ataques de sus críticos. En Intervew Magazine, Andy imprimió las voces más representativas de una generación e incluso incursionó en el ámbito musical. Andy era un talento que llamaba talentos y creaba conceptos, sus ideas y su discurso se mantienen vigentes hasta el día de hoy en la era de Instagram, de las redes sociales, de la producción en serie, de la apariencia, de la necesidad de ser únicos y terminar siendo iguales que el resto, la era de la contradicción en la que los mensajes más positivos los “postea” la gente mas triste, la era de lo superficial y de la búsqueda de significado para cubrir ese vacío que nos amenaza y nos persigue siendo algo tan familiar y tan aterrador a la vez.

Hoy 1 de junio, en el aniversario del natalicio de Marilyn Monroe, uno de los íconos más representativos de la cultura estadounidense y que Warhol inmortalizó en arte Pop haciéndola trascender a nuevas generaciones, hoy que se empieza a sentir la ligereza que la promesa del verano trae consigo, se plantea el escenario perfecto para retomar el arte Pop que representa de cierta forma una despreocupada —y hasta cierto punto cínica— actitud con la que hoy yo declaro: ¡quiero mi Warhol!

Ya que como él mismo dijo, hay una cierta genialidad en el consumismo que crea una ilusión de “igualdad” en la que desde el presidente hasta Elizabeth Taylor, pueden comprar la misma Coca Cola que se toma cualquier mortal, y en eso hay algo extrañamente atractivo. Todos queremos tocar esa fama, sentirnos cerca de nuestros ídolos y yo quiero sentir mis “15 minutos de fama” en la sala de mi nueva casa y también quiero que si alguno de ustedes lo quiere, ya sea por gusto, inversión o simplemente capricho, lo puedan tener.

 

 

Comprando Warhol

La colección de Tasting Art cuenta en este momento con obras de Warhol disponibles para nuestros amigos. Warhol es una buena inversión siempre y cuando se sepa elegir su obra, ya que las copias se pueden encontrar “hasta en el supermercado” (o en e-bay), sin embargo, una copia falsa no tendrá la plusvalía que tiene la obra original/autorizada.

Hay muchos elementos a tomar en cuenta para adquirir un Warhol como la proveniencia del cuadro y las credenciales y permisos del taller de impresión, también se considera si la impresión serigráfica es póstuma o contemporánea al autor o listas de precios.

Más info sobre Andy Warhol y como adquirir su obra, pueden contactarnos o hacer una cita.